Andrew Warthola (1928-1987), más conocido como Andy Warhol fue un artista estadounidense, hijo de padres checos, conocido por ser el máximo representante del movimiento plástico del Pop Art, conocido entre otras características por sus colores fuertemente llamativos. Comenzó su carrera como dibujante publicitario de revistas como Vogue o The New Yorker en Nueva York. Al mismo tiempo pintaba lienzos cuya temática se diferenciaba de todo el arte anterior, mostrando las características de la sociedad de su tiempo, marcada por el consumismo y la importancia de lo material.
Uno de los temas más utilizados por Warhol en su pintura fue el de los mitos de su sociedad contemporánea, como eran Marilyn Monroe, Elvis Presley, Elizabeth Taylor o Mao Tsetung. Además de mitos de otros tiempos, como Beethoven.
Marilyn Monroe
Mao Tsetung
Beethoven en rojo
Además de esto, plasmó en sus pinturas imágenes que expresaban lo capitalista, la importancia del consumismo y el materialismo en la época en la que él vivía, ejemplos de ello son la conocida sopa Campbell, la imagen del botellín de Coca-Cola o Mickey Mouse, entre otras.
Coca-Cola
Mickey Mouse
Lata de sopa Campbell
Plátano que sirvió como portada del primer disco
del grupo de Lou Reed, Velvet Underground.
Zapatos de polvo de diamante
Por último, otra tipología dentro de la obra de Warhol es la de apropiarse de detalles propios de obras de arte universales de autores como Munch, Rafael o Leonardo Davinci, entre otros, para transformarlos en pinturas con características del Pop Art:
Detalle del Nacimiento de Venus (original: Boticelli)
Porque el arte también se escucha, hoy le toca el turno a la música.
Podría poner tantas cosas sobre música... que si el otro día no hubiera descubierto esto, hoy no sabría qué escribir. Pues bien, lo que he descubierto es a un compositor sevillano, que podríamos decir que se encuetra en el grupo de los "no conocidos" pero también en el grupo de los que vale la pena escuchar. Se llama Alberto Romero, aunque es más conocido como Albertucho. ¿El motivo de que lo haya escogido? Varios: la sencillez de sus canciones y sus videos musicales, que hace que la canción, lejos de ser tonta y sin sentido, esté aún más dotada de significado. He escogido dos canciones muy diferentes en estilo, pero ambas merecen la pena.
Después de mucho pensar (ya sabéis que la indecisión no se cura tan rápido), he decidido el tema de mi segunda entrada. ¿El motivo? Si quiero hacer un blog sobre arte, creo que sería conveniente tocar todas las artes, porque realmente todas ellas tienen algo que despierta mi curiosidad. Así que hoy toca lo que Riccioto Canudo llamó el séptimo arte, el cine. Hay muchas opciones interesantes en la historia del cine y en sus orígenes. Y dentro de los orígenes del cine, dejando a un lado pero sin olvidar al magnífico Charles Chaplin, he optado por El acorazado Potemkin, de Eisenstein. Esto teniendo en cuenta que se trata de una película propagandística y fuertemente ideológica. No pretendo que mi blog trate de política, porque creo que esta es creadora del caos en muchos casos, y no la solución a este, como considero que es el arte. Pero me gustaría pensar que utilizar el arte como medio para enseñar al mundo la realidad y reivindicarse en contra de esta, es una forma bonita y efectiva de hacerlo.
La película, cuyo título original es Броненосец Потёмкин, es del año 1925. El título hace referencia al acorazado Potemkin, un barco que debe su nombre a un militar ruso del siglo XVIII. Durante la Revolución Rusa de 1905*, la tripulación del Potemkin llevó a cabo una rebelión contra sus oficiales, quienes los oprimian y los maltrataban de diversas maneras. El episodio que, al parecer, hizo estallar el motín fue en el cual uno de los tripulantes, Ippolit Giliarovsky, se negó a comer la carne que los oficiales sirvieron, llena de gusanos.
El filme narra igualmente otros capítulos de la Revolución Rusa, como el de la escalera de Odesa, que se convirtió en una de las escenas más famosas de la historia del cine, tanto por su patetismo como por la manera de rodar, que supuso un cambio en cuanto a los planos que se estaba acostumbrado a ver en el cine. El 16 de junio de 1905, se formó una gran manifestación política en la escalinata que conecta el puerto con la ciudad de Odesa, que finalizó con un tiroteo por parte de los oficiales zaristas, que acabó con la vida de muchos de los manifestantes. El 17 de junio, el Potemkin disparó contra el cuartel general de las autoridades zaristas, dejando a un civil muerto. El gobierno entonces mandó sus escuadrones al Mar Negro para obligar al Potemkin a rendirse si no quería ser hundido. Pero los marineros de los escuadrones se negaron a abrir fuego, uniéndose a la rebelión.
En mayo de 1917, el nombre del barco se cambiaría por "Luchador por la libertad" (En ruso: Boréts za svobodu)
Para terminar, como una imagen vale más que mil palabras, aquí os dejo el fragmento de la escalera de Odesa, acompañado de dos fotografías del mismo, que ilustran igualmente la fuerza expresiva de las imágenes del filme.
(Curiosidad: La escena de la Escalera de Odesa fue homenajeada por directores como Francis Ford Coppola, en El Padrino o Woody Allen, en Bananas, entre otros. Además, lo fue igualmente por George Lucas en la última entrega de Star Wars, y también en la serie americana The Simpsons, en dos ocasiones)
*Revolución Rusa de 1905: Fue una ola de agitación política en diversos lugares del Imperio Ruso. El antecedente es una Rusia no avanzada, con un régimen de autocracia en el cual el poder pertenecía por completo al zar. La revolución destacó por las numerosas huelgas de trabajadores, casos de terrorismo, motines militares y rebeliones campesinas. Uno de los episodios más famosos de la Revolución es el del Domingo Sangriento, una matanza llevada a cabo por la Guardia Imperial Rusa contra manifestantes pacíficos. La revolución acabó con el establecimiento de una monarquía constitucional limitada.
(surrealismo: 1. m. Movimiento literario y artístico, cuyo primer manifiesto fue realizado por André Breton en 1924, que intenta sobrepasar lo real impulsando con automatismo psíquico lo imaginario y lo irracional.)
La primera entrada he decidido
dedicarla a la pintura de René Magritte (1868-1967), un pintor
surrealista belga que pretendía cambiar la percepción preconcebida
de la realidad con sus pinturas. Es ese el motivo de mi elección, el
intentar mostrar una alternativa al mundo que nos rodea y que
consideramos como lo real, una alternativa que quizás solamente el
arte pueda mostrar.
Las relaciones peligrosas (1936)
La pintura muestra a una mujer desnuda que tapa su cuerpo sosteniendo un espejo. El reflejo del espejo, lejos de ser lo que se encontraría en frente de la mujer, muestra a la misma mujer vista desde otro flanco. Una de los principales objetivos de la
pintura de Magritte es el de desconcertar a aquel que observa sus
pinturas. Esto nos hace contemplar la existencia de alternativas en
donde todo semejaba establecido de manera permanente. Lo mismo ocurre
en esta pintura, que es otro de los “trompe l'oeil” (engaño a
los ojos) que tanto abundan en su obra.
La Violación (1934)
(violar.
(Del lat. Violāre).
1. Infringir
o quebrantar una ley, un tratado, un precepto, una promesa, etc.
2. Tener acceso carnal con
alguien en contra de su voluntad o cuando se halla privado de sentido
o discernimiento. 3. Profanar un
lugar sagrado, ejecutando en él ciertos actos determinados por el
derecho canónico. 4. Ajar o
deslucir algo.)
Ninguna de las pinturas de Magritte
deja (o no debería dejar) indiferente a nadie pero una de las
probablemente más sorprendentes es “La Violación”. El título
nos da una primera idea de la temática del cuadro. El rostro,
formado por unos pechos que pretenden ser ojos, un ombligo que se
convierte en la nariz y una boca transformada en órgano sexual, es
una manera de plasmar sobre un lienzo la visión machista de la
mujer, convirtiendola en un objeto de placer sin rostro y, por tanto,
también sin personalidad.
El Modelo Rojo (1935)
Si simplemente hacemos una descripción
de lo que vemos en el cuadro, probablemente no lleguemos en un primer
instante a lo que Magritte quiso representar. Vemos unos pies que
parecen fusionarse con unas botas, descansando sobre un suelo de
tierra y en frente de una pared de madera. Si lo comenzamos a
analizar con cuidado y teniendo en cuenta las palabras de Magritte:
“El
problema de los zapatos muestra con que facilidad la falta de cuidado
convierte las cosas más terribles en asuntos completamente inocuos.
Gracias al Modelo Rojo nos damos cuenta de que envolver un pie humano
en un zapato es, en realidad, una costumbre monstruosa”.
Entonces podemos ver el cuadro desde otra perspectiva, dándonos
cuenta de que la tierra y la madera nos trasladan a un ambiente
rural, donde predomina la clase campesina, dedicada por completo a un
trabajo duro y agotador. También el título guarda relación con
esto, haciendo referencia a las ropas propias de los trabajadores.
Pero lo realmente importante es el
significado que podemos darle al pie fusionado con los zapatos. El
tema principal es, por tanto, la alienación, es decir, la supresión
de la personalidad, que nos hace confundir el objeto con el cuerpo,
la máquina con la persona.
Los Amantes (1928)
Sería
bonito pensar que se trata en realidad de dos amantes, que llevan su
amor en secreto, amantes que se esconden de la sociedad. Que se trata
de una pintura que expresa que el amor es posible sin necesidad de
utilizar los sentidos, sin verse, sen olerse... Realmente sería más
gratificante. Pero los besos no siempre llevan consigo amor o deseo,
y realmente a día de hoy, la mayor parte del ellos se dan por
convención o por simple costumbre, sin sentir o sin pensar todo o
que un beso puede conllevar. Un beso es una acción insignificante
que en algunos casos deja de serlo para convertirse en un gesto
realmente importante. En este caso, eso no ocurre: un beso de amor es
el sabor de la persona besada, su olor y el contacto con sus labios.
El trapo húmedo de Magritte destruye toda idea de beso, privando a
los protagonistas de sensaciones.
El
trapo húmedo que cubre las cabezas de los personajes no es casual.
Magritte se inspiró en su madre, quien decidió suicidarse
arrojándose al río Sambre. Cuando la encontraron, la camisa mojada
le ocultaba el rostro. Esta experiencia en la vida del pintor, es
otra de las pistas que nos hace interpretar el cuadro como algo
negativo, fuera de todo el contexto romántico que creemos observar
en un primer momento.
Magritte
pintó otro cuadro en el que aparecen los mismos protagonistas y que
lleva el mismo título. En este caso, no se besan, sino que miran al frente desde un paisaje exterior.
Las afinidades electivas (1933)
Se nos muestra un huevo de grandes dimensiones, encerrado en una
jaula que casi es de su mismo tamaño. El significado que podemos
atribuirle a la pintura es múltiple. Los pájaros enjaulados
representan la falta de libertad y este es un pájaro que todavía no
ha salido del huevo. En mi opinión, Magritte quiso mostrarnos como
algo que aún no ha nacido es ya esclavo del mundo. Al igual que los
poetas románticos como William Blake hablaban de una opresión que
existía desde que somos niños, aunque en ese momento no seamos
conscientes de ello, Magritte pudo querer representar pictóricamente
esa idea. El mundo nos hace esclavos desde un primer momento de lo
que está establecido en la sociedad. La única manera que nos queda
para librarnos de esta prisión es tomar conciencia de que somos
prisioneros, romper el cascarón, abrir la jaula y alzar el vuelo.
¿Cómo se empieza un blog? Siempre me lo he preguntado. ¿Qué se escribe en él una vez decides hacerlo? Venga ya, estás delante del ordenador, es una batalla entre el teclado y tú, y tu manera de actuar es escribiendo las palabras sin sentido de lo que pretendías que fuera una introducción.
(...)
¿Qué pasa? ¿Acaso no se te ocurre nada? Sí, sí se te ocurre. Tienes mil cosas volando por tu mente, mil cosas que te gustaría escribir pero "tegustaríatenermástiempodepensarcomopresentarlasalmundocondignidadylacabezabienalta". Lo sé, lo sé. Cómo no lo voy a saber, si yo soy tú. Vamos, que tú, la indecisa que teclea ahora con un ritmo más acelerado eres yo. Queescribestúperoescriboyo. Quehabloyoperoescribestú.
(...)
Bueno, ahora te has quedado parada y vuelves a empezar. No lo borres, evita la tentación de pulsar esa tecla que tiene dibujada la flecha que indica a tu izquierda. Lo izquierdo siempre se ha comparado con lo negativo, así que, aunque ninguna de las dos (quiero decir una) estemos de acuerdo con esa afirmación, vamos a aceptarla por un momento y decidir la derecha como el buen camino, y la derecha representará la dirección en que las letras corren formando palabras que forman frases que forman textos.
(...)
Lo quieres borrar, ¿Es por los problemas de doble personalidad que se acentuaron en el segundo párrafo? Venga, todos tenemos momentos de doble personalidad en alguna ocasión y lo sabes (lo sé). Pero, ¿sabes lo que también tenemos todos? Algo que decir al mundo. ¿Unos más que otros? ¿eso crees? Sí, es posible, pero todos tenemos algo dentro de nosotros que merece la pena mostrar. Así que, ¡VAMOS!, deja de comportarte de esta manera tan indecisa que tanto te (nos) caracteriza y escribe, escribe sobre lo que realmente te hace feliz escribir.
(...)
Y así fue como empecé el blog. No es cierto, os estoy mintiendo. Se podría decir que empiezas un blog en el momento en el que lo creas, pero de eso ha pasado ya mucho tiempo. Me daría vergüenza escribir la fecha exacta en que decidí crear uno, me darían vergüenza los quebraderos de cabeza para escoger un nombre, me daría vergüenza mostrar aún más mi indecisión.
Así que... oficialmente, hoy soy un poquito menos indecisa.
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